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L'âge d'or néerlandais peinture

Types de peinture
Frans Hals tronie, avec le titre plus tard, tsigane Girl. 1628-30. Huile sur bois, 58 x 52 cm. Le tronie comprend des éléments de le portrait, la peinture de genre, et parfois la peinture d'histoire.
Une caractéristique de la période, comparativement à plus tôt la peinture européenne, a été la petite quantité de peinture religieuse. Néerlandaise calvinisme interdit la peinture religieuse dans les églises, et même si les sujets bibliques étaient acceptables dans les maisons privées, relativement peu ont été produites. Les autres classes traditionnelles de l'histoire et le portrait peinture étaient présents, mais la période est plus remarquable pour une grande variété d'autres genres, sous-divisé en de nombreuses catégories spécialisées, telles que des scènes de vie paysanne, des paysages, paysages urbains, paysages avec des animaux, peintures maritimes, tableaux de fleurs et des natures mortes de divers types. Le développement de plusieurs de ces types de peinture a été fortement influencés par des artistes du 17e siècle néerlandais.
Le largement répandue théorie de la «hiérarchie des genres» dans la peinture, selon laquelle certains types ont été considérés comme plus prestigieux que d'autres, a conduit de nombreux peintres de vouloir produire de la peinture d'histoire. Toutefois, cette a été le plus difficile à vendre, selon le même Rembrandt trouvé. Beaucoup ont été contraints de produire des portraits ou des scènes de genre, qui a vendu beaucoup plus facilement. Dans l'ordre décroissant de statut des catégories dans la hiérarchie sont les suivantes:
histoire peinture, y compris des sujets religieux
Le portrait
la peinture de genre ou des scènes de la vie quotidienne
paysage (paysagistes ont été les valets de pied "commune dans l'armée de l'art », selon Samuel van Hoogstraten) et le paysage urbain
nature morte
Paulus Potter, le jeune taureau (1647): 3,4 mètres de large. Un exceptionnellement monumental La peinture des animaux que les défis de la hiérarchie des genres.
Les Néerlandais concentrés fortement sur la partie inférieure "catégories, mais en aucun cas rejeté le concept de la hiérarchie. La plupart des peintures ont été relativement faibles, le seul type commun de peintures étaient vraiment grands portraits de groupe. Peinture directement sur les murs existait à peine, quand un mur de l'espace dans un édifice public nécessaire décoration équipée toile encadrée était normalement utilisé. Pour la précision supplémentaire possible sur une surface dure de nombreux peintres ont continué à utiliser des panneaux de bois, quelque temps après le reste de l'Europe occidentale avait abandonnés, certains utilisé des plaques de cuivre, généralement de recyclage des plaques de gravure. A son tour le nombre de survivants Golden Age peintures a été réduite de leur être repeint avec de nouvelles œuvres par des artistes tout au long du 18e et 19e siècle les pauvres sont généralement moins cher qu'un nouveau canevas, Stetcher et le cadre. Il y avait très peu de sculptures néerlandais pendant la période, il se trouve principalement dans les monuments funéraires et attaché à bâtiments publics, et de petites sculptures de maisons sont un écart notable, la place prise par l'argenterie et des céramiques. Carrelages peints à la faïence sont très bon marché et commun, si rarement de très haut qualité, mais l'argent, surtout dans le style auriculaire, a conduit l'Europe. A cette exception près, tous les efforts artistiques se sont concentrés sur la peinture et la gravure.
Le monde de l'art
Dirck Hals, scène de genre du tabagisme et Messieurs Jouer au jacquet dans un intérieur. Note des peintures sur le mur de ce qui semble être une taverne; ici aussi.
Les étrangers remarqué sur l'énorme quantités de produits d'art et les grandes foires où de nombreux tableaux ont été vendus, il a été grossièrement estimé que plus de 1,3 millions d'images néerlandais ont été peintes dans les 20 années à partir de 1640 seulement. Le volume de la production signifie que les prix étaient relativement faibles, sauf pour les artistes les plus connus, comme dans la plupart des périodes subséquentes, il y avait un gradient de prix élevé pour plus d'artistes à la mode. Ceux qui n'ont pas une forte réputation contemporaine ou tombées en désuétude, dont de nombreux maintenant considéré parmi les plus grands de l'époque, tels que Vermeer, Frans Hals et Rembrandt dans ses dernières années, a eu des problèmes considérables gagner sa vie, et mourut pauvre; de nombreux artistes ont d'autres emplois, ou abandonnés art entièrement. En particulier, l'invasion française de 1672 (la Rampjaar, ou «exercice de la catastrophe"), a entraîné une grave la dépression de marché de l'art, qui n'a jamais tout à fait revenu à des hauteurs plus tôt. La distribution de films est très large: «oui tymes nombreux blacksmithes, ETTS cordonniers., Aura quelques photos ou d'autres par leur Forge et dans leur Stalle. Telle est l'idée general, enclination et le plaisir que ces autochtones ont païs à la peinture »a signalé un voyageur anglais en 1640. Il y avait des pratiquement la première fois de nombreux marchands d'art professionnel, plusieurs artistes aussi importants, comme Vermeer et son père, Jan van Goyen et Willem Kalf. Rembrandt concessionnaire Hendrick van Uylenburgh et son fils ont été Gerrit parmi les plus importants.
Le peintre Haarlem's Guild en 1675, par Jan de Bray, dont l'auto-portrait est le deuxième de la gauche
Les techniques qualité des artistes néerlandais a été en général très élevé, encore largement suivant le système médiéval de la formation par apprentissage avec un maître, des ateliers en général étaient plus petits que la Flandre ou en Italie, avec seulement un ou deux apprentis à la fois, le nombre souvent limité par des règlements de la guilde. Le pouvoir de la Guilde des artistes locaux de Saint-Luc a été en baisse, mais reste considérable dans de nombreux endroits, et de nouveaux ont été créés dans la période. Amsterdam avait été fondé seulement en 1579, et de Gouda, Rotterdam, Utrecht et Delft ont toutes été créées entre 1609 et 1611, avec le Leiden guildes uniquement à venir en 1648. À l'exception évidente de portraits, de nombreuses peintures plus de Néerlandais ont été faites "spéculative" sans une commission spécifique que ce qui était alors le cas dans d'autres pays l'une des nombreuses façons dont le marché de l'art néerlandais montre l'avenir.
Il y avait beaucoup de dynasties d'artistes, et beaucoup avec des filles de leurs maîtres ou d'autres artistes. Beaucoup d'artistes sont issus de familles aisées, qui ont payé des frais pour leur apprentissage, et ils sont souvent mariées dans la propriété. Rembrandt et Jan Steen ont tous deux été inscrits à l'Université de Leyde pendant un certain temps. Plusieurs villes avaient des styles distincts et des spécialités par thème, mais d'Amsterdam a été le plus grand centre artistique, en raison de sa grande richesse.
Aert de Gelder, Autoportrait en Zeuxis (1685)
Néerlandais artistes ont été remarquablement moins préoccupés par la théorie artistiques que celles de nombreux pays, et moins portés à parler de leur art, il semble qu'il y avait aussi beaucoup moins d'intérêt dans la théorie artistique en général, les milieux intellectuels et parmi le grand public que ce qui était alors en commun en Italie. Comme presque toutes les commissions et les ventes ont été privés, et entre les individus bourgeois dont les comptes n'ont pas été conservés, ils sont également moins bien documenté que partout ailleurs. Mais l'art néerlandais a été une source de fierté nationale, et les biographes principaux sont une source cruciale d'information. Il s'agit de Karel van Mander (Het Schilderboeck, 1604), qui couvre essentiellement le siècle précédent, et Arnold Houbraken (De Groote schouburgh der konstschilders Nederlantsche en schilderessen "Le Grand Théâtre de Peintres néerlandais ", 171,821). Les deux ont suivi, et même dépassé, dans Vasari, y compris un grand nombre de vies à court de plus de 500 artistes en cas Houbraken et les deux sont généralement considérées comme exactes sur des éléments factuels. L'artiste allemand Joachim von Sandrart (1606 – 1688) a travaillé pendant des périodes en Hollande, et son Deutsche Akademie dans le même format couvre de nombreux artistes néerlandais qu'il savait. Houbraken de maître et l'élève de Rembrandt, a été Samuel van Hoogstraten (16271678), dont Zichtbare wereld et Inleyding tot de Hooge der Schoole Schilderkonst (1678) contiennent plus critique que biographique l'information, et sont parmi les plus importants traités sur la peinture de la période. Comme d'autres œuvres néerlandais sur la théorie de l'art, ils exposent de nombreux lieux communs de la théorie de la Renaissance et ne sont pas entièrement tenir compte de l'art contemporain néerlandais, encore souvent se concentrer sur la peinture d'histoire.
La peinture d'histoire
Jacob van Loo, Dana (comparer le traitement de Rembrandt).
Cette catégorie comprend pas seulement les peintures qui dépeint les événements historiques du passé, mais aussi des tableaux qui montrent bibliques, mythologiques, littéraires et des scènes allégoriques. Les récents événements historiques essentiellement tombée de la catégorie, et ont été traités de façon réaliste, comme la combinaison appropriée de portraits avec marine, paysage urbain ou des sujets paysage. Grand historiques dramatiques ou Les scènes bibliques ont été produites moins fréquemment que dans d'autres pays, comme il n'y avait pas de marché local pour l'art religieux, et quelques grands aristocrates maisons baroques à remplir. Plus que cela, les protestants la population des grandes villes avaient été exposés à certaines utilisations remarquablement hypocrite de l'allégorie maniériste dans la propagande des Habsbourg échoue lors de la révolte néerlandaise, qui avait produit une forte réaction vers le réalisme et une méfiance à l'égard de la rhétorique visuelle grandiose. La peinture d'histoire était un art «minorité», bien que dans une mesure a été corrigée par la présente un intérêt relativement vif dans sa version imprimée du sujets histoire
Plus que dans d'autres types de peinture, les peintres d'histoire néerlandaise a continué à être influencé par la peinture italienne. Impressions et des copies de chefs-d'œuvre italienne et distribué a suggéré à certains régimes de composition. L'habileté croissante néerlandais dans la représentation de la lumière ont été exercées sur des styles issus de l'Italie, notamment celle du Caravage. Certains peintres néerlandais sont également rendus en Italie, bien que cela était moins fréquente que chez leurs contemporains flamands, comme on peut le voir parmi les membres du club Bentvueghels à Rome. Il est à noter que les artistes les plus importants néerlandais dans tous les domaines, les chiffres tels que Rembrandt, Vermeer, Hals, Steen, Jacob van Ruisdael, et d'autres, n'avait pas fait le voyage.
Caravagisme Utrecht: van Baburen Dirck, le Christ couronné d'épines, 1623, pour un couvent à Utrecht, pas un marché dans la plupart des Pays-Bas.
Au début du siècle de nombreux artistes maniéristes du Nord avec des styles formé dans le siècle précédent a continué à travailler, jusqu'en 1630, dans le cas d'Abraham Bloemaert et Joachim Wtewael. tableaux d'histoire ont été nombreux à petite échelle, avec le peintre allemand (basé à Rome) Adam Elsheimer autant d'influence que le Caravage (tous deux décédés en 1610) sur les peintres néerlandais comme Pieter Lastman, le maître de Rembrandt et Jan et Jacob Pynas. Par rapport à la peinture d'histoire baroque d'autres pays, ils ont partagé l'accent sur le réalisme néerlandais, et la franchise récit, et sont parfois connues comme les "pré-Rembrandtists, comme premiers tableaux de Rembrandt ont été dans ce style.
Utrecht caravagisme décrit un groupe d'artistes qui ont produit la peinture d'histoire à la fois et en général de grandes scènes de genre dans un style d'influence italienne, faisant souvent usage intensif du clair-obscur. Utrecht, avant la révolte de la ville la plus importante dans le nouveau territoire néerlandais, est une ville extraordinaire néerlandais, encore environ 40% de catholiques dans le milieu du siècle, plus encore parmi les groupes d'élite, qui comprenait de nombreuses noblesse rurale et de la gentry des maisons de ville là-bas. Les grands artistes ont été ter Brugghen Hendrick, Gerard van Honthorst et Dirck van Baburen, et l'école a été active vers 1630, bien que van Honthorst poursuivie jusqu'en 1650 en tant que peintre de la cour de succès pour les Anglais, les tribunaux néerlandais et danois dans un style plus classique.
Rembrandt a commencé comme peintre d'histoire avant de trouver la réussite financière en tant que portraitiste, et il n'a jamais relinguished ses ambitions dans ce domaine. Un grand nombre de ses gravures sont de la narration des scènes religieuses, et l'histoire de sa Commission dernière histoire, La Conjuration de Claudius Civilis (1661) illustre à la fois son attachement à la forme et les difficultés qu'il avait à trouver un public. Plusieurs artistes, dont beaucoup de ses élèves, a tenté avec un certain succès de poursuivre son style très personnel; Govaert Flinck a été la plus réussie. Gérard de Lairesse (16401711) est une autre d'entre elles, avant de tomber sous forte influence du classicisme français, et devenant son principal promoteur néerlandais à la fois comme artiste et théoricien.
La nudité est effectivement l'apanage du peintre d'histoire, bien que de nombreux portraitistes habillé leurs occasionnels nus (presque toujours des femmes) avec un titre classique, que Rembrandt a fait. Pour l'ensemble de leurs suggestivité désinhibée, peintres de genre rarement révélé plus d'un clivage généreuse ou à la portion de la cuisse, généralement lorsque les prostituées peinture ou "italienne" paysans.
Portraits
Bartholomeus van der Helst, Sophia Trip (1645), un membre d'une des familles les plus riches en Hollande.
Frans Hals, Heythuijsen Willem (1634), 47 x 37 cm.
Jan Mijtens, portrait de famille, 1652, avec les garçons dans le «pittoresque» robe.
Portrait peinture prospéré aux Pays-Bas au 17e siècle, comme il y avait une grande classe mercantile qui étaient beaucoup plus disposés à les portraits de la Commission que leurs équivalents dans d'autres pays; un résumé des diverses estimations de la production totale arrive à entre 750.000 et 1.100.000 portraits. Rembrandt a connu sa plus grande période de la réussite financière en tant que portraitiste jeunes d'Amsterdam, mais comme les autres artistes, ont augmenté plutôt ennuyé avec la peinture des portraits de commande de bourgeois: «Les artistes Voyage le long de cette route, sans plaisir", selon Van Mander.
Les vêtements sombres hommes et dans de nombreux cas sitters femmes, et le sentiment calviniste que l'inclusion des accessoires, des biens ou des vues de la terre dans le fond montrerait le péché d'orgueil conduit à une identité indéniable dans de nombreux portraits néerlandais, pour leur qualité technique. Même un permanent pose est généralement évitée, comme un long métrage pourrait également exprimer sa fierté. Poses sont peu démonstratif, en particulier pour les femmes, bien les enfants peuvent être admis plus de liberté. Le moment classique pour avoir un portrait peint sur le mariage, quand le nouveau mari et la femme le plus souvent occupés des fenêtres séparées dans une paire de tableaux. portraits de Rembrandt tard contraindre par la force de la caractérisation, et parfois un élément narratif, mais même ses premiers portraits peut être décourageant en masse, comme dans la salle pleine de "Rembrandt starter» fait don au Musée d'art métropolitain de New York.
L'autre grand portraitiste de la période est Frans Hals, dont le célèbre coup de pinceau vif et sa capacité à montrer sitters détendu et joyeux ajoute à l'excitation, même les plus sujets peu prometteur, bien que le très "pose nonchalante" de l'exemple de gauche est exceptionnelle: "aucune autre portrait de cette époque est tellement informel». Le modèle était un négociant en tissus riches qui ont déjà commandé Hals seule vie individuelle entreprises années complètes longueur portrait dix ans avant. Dans ce travail, beaucoup plus petite pour une chambre privée, il porte circonscription clothes.Jan de Bray encouragé ses modèles de poser costumés comme des figures de l'histoire classique, mais beaucoup de ses œuvres sont de sa propre famille. Thomas de Keyser, Bartholomeus van der Helst, Ferdinand Bol et autres, y compris de nombreux mentionnées ci-dessous que l'histoire ou de genre peintres, faisaient de leur mieux pour animer des œuvres plus classiques. Le portrait, moins touchés par la mode que les autres types de peinture, reste le passage sûr pour les artistes néerlandais.
Du peu que nous savons des procédures studio des artistes, il semble que, comme ailleurs en Europe, le visage tiré et a probablement été peut-être peint à une séance initiale ou deux. Le nombre typique des séances supplémentaires n'est pas claire – entre zéro (pour Rembrandt pleine longueur) et 50 semblent documentés. Les vêtements ont été laissées à l'atelier et pourrait bien être peintes par des assistants, ou d'un master spécialisé en ont acheté, bien que, ou parce que, ils étaient considérés comme une partie très importante de la peinture. Marié et les femmes jamais mariées peuvent se distinguent par leur robe, en soulignant combien peu de femmes célibataires ont été peints, sauf dans les groupes familiaux. Comme ailleurs, la précision de la montre est variable vêtements – rayures et les motifs à carreaux ont été portés, mais les artistes rarement leur montrer, à juste titre d'éviter la surcharge de travail. Dentelles et colliers Ruff étaient inévitables, et a présenté un formidable défi à l'intention des peintres sur le réalisme. Rembrandt évolué d'une manière plus efficace de la dentelle à motifs de peinture, pose de grandes Stokes blanc, et puis la peinture à la légère en noir pour montrer le modèle. Une autre façon de le faire était de peindre en blanc sur une couche noire, et gratter le blanc à la fin de la brosse à montrer la structure.
À la fin du siècle il y avait une façon de montrer sitters dans une robe semi-fantaisie, qui a débuté en Angleterre par Van Dyck dans les années 1630, connu sous le nom «pittoresque» ou «romain» robe. Aristocratique, et les milices, sitters se laissaient plus de liberté en robe claire et large que les paramètres bourgeois, et les affiliations religieuses probablement affecté de nombreuses représentations. À la fin du siècle aristocratique, ou en français, les valeurs se répandent parmi les bourgeois, et les représentations ont été autorisés plus de liberté et d'affichage.
Un type particulier de peinture, combinant des éléments du portrait, l'histoire et la peinture de genre a été le tronie. C'est habituellement une demi-longueur d'un seul Figure qui se concentre sur la capture d'une humeur inhabituelle ou une expression. La véritable identité du modèle n'était pas important, mais ils pourraient représenter un personnage historique et d'être en costume exotique ou historique. Jan Lievens et Rembrandt, dont de nombreux auto-portraits sont également tronies (surtout ceux qu'il attaque), ont été parmi ceux qui ont développé le genre.
portraits de groupe, en grande partie néerlandaise invention, ont été populaire parmi le grand nombre d'associations civiques qui ont été une partie notable de la vie néerlandaise, comme la garde civile d'une ville, les conseils d'administration et des régents de guildes et de bienfaisance fondations, etc. Surtout dans la première moitié du siècle, les portraits sont très formels et rigides de la composition. Les groupes étaient souvent assis autour d'une table, chaque personne qui regarde le spectateur. Une grande attention a été accordée aux détails fins dans les vêtements, et le cas échéant, de meubles et d'autres signes de la position d'une personne dans la société. Plus tard dans les groupes de siècle est devenue plus vive et des couleurs brillant.
Les scientifiques posent souvent avec des instruments et des objets de leur étude autour d'eux. Les médecins pose parfois autour d'un cadavre, une leçon dite «anatomique», le plus célèbre étant la leçon d'anatomie de Rembrandt du docteur Tulp (1632, Mauritshuis, La Haye). Les conseils d'administration préféré une image d'austérité et d'humilité, posant dans des vêtements foncés (Qui, par son raffinement témoignent de leur position de premier plan dans la société), souvent autour d'une table, avec des expressions solennelles sur leurs visages. Souvent, les familles se sont représentés au sein de leur maisons de luxe.
Frans Hals, un portrait de groupe de milice (1633), 3,3 mètres de large.
La plupart des portraits de groupe de gardes civils (en néerlandais: schutterstuk) ont été commandées à Haarlem et Amsterdam. Voici le portrait d'une image favorable de la force, l'état ou même un esprit de joie. L'accord autour d'une table donnerait façon ans plus tard, à une composition plus dynamique, l'exemple le plus frappant étant de Rembrandt Le célèbre milice du capitaine Frans Société Cocq Banning mieux connue comme la Ronde de nuit (1642, Rijksmuseum, Amsterdam). A Amsterdam, la plupart de ces tableaux en fin de compte se retrouver dans la possession du conseil de la ville. Beaucoup d'entre elles sont maintenant exposées dans le musée historique d'Amsterdam.
Souvent, portraits de groupe ont été payés par chaque personne photographiée individuellement. Le montant versé déterminé le lieu de chaque personne dans l'image, soit la tête aux pieds en tenue de cérémonie au premier plan ou face seulement à l'arrière du groupe. Parfois, tous les les membres du groupe a versé une somme égale, ce qui était susceptible de conduire à des querelles lorsque certains membres gagné une place plus importante dans l'image que les autres.
Scènes de la vie quotidienne
Une typique Jan Steen image (c. 1663), tandis que la maîtresse de maison dort, le jeu des ménages.
peintures de genre montrent des scènes qui occupent une place importante chiffres à qui aucune identité spécifique peut être joints, ils ne sont pas des portraits ou destiné à des personnages historiques. Avec la peinture de paysage, le développement et l'immense popularité de la peinture de genre est la caractéristique la plus distinctive de la langue néerlandaise la peinture de cette période, bien que dans ce cas, ils sont également très populaires dans la peinture flamande. Beaucoup sont des figures simples, comme la Laitière de Vermeer ci-dessus, d'autres peuvent présenter de grands groupes sociaux à un occasion, ou des foules. Il y avait un grand nombre de sous-types dans le genre: un seul chiffre, les familles paysannes, scènes de cabaret, «joyeuse compagnie« Les partis, les femmes au travail autour de la maison, des scènes de fêtes de village ou de ville (même si ces derniers étaient encore plus fréquents dans la peinture flamande), scènes de marché, des scènes de casernes, des scènes avec des chevaux ou des animaux de ferme, dans la neige, au clair de lune, et beaucoup plus. En fait, la plupart d'entre eux avaient des termes spécifiques en néerlandais, mais il n'y avait pas d'ensemble équivalent néerlandais terme de «peinture de genre" jusqu'à la fin du 18e siècle les Anglais appelle souvent les «drôleries». Certains artistes ont travaillé principalement dans un de ces sous-types, en particulier après environ 1625. Au cours du siècle, peintures de genre ont tendance à diminuer en taille.
Bien que les peintures de genre fournir de nombreux aperçus de la vie quotidienne des citoyens du 17ème siècle de toutes les classes, leur exactitude ne peut pas toujours être pris pour acquis. Beaucoup de ce qui semblait ne dépeignent des scènes de tous les jours effectivement illustrée proverbes et dictons néerlandais ou a transmis un message moralisateur dont le sens peut maintenant être déchiffré par les historiens d'art, même si certains sont assez clairs. De nombreux artistes, et pas d'acheteurs doute, certainement essayé de faire les choses dans les deux sens, en appréciant la représentation des ménages ou des scènes de désordre bordel, tout en offrant une interprétation morale des œuvres de Jan Steen, dont l'autre profession était un aubergiste, en sont un exemple. L'équilibre entre ces éléments est encore débattue par les historiens d'art aujourd'hui. Les titres donnés plus tard à la peinture souvent une distinction entre «tavernes» ou «auberges» et «maisons closes», mais dans la pratique ce sont très souvent les mêmes établissements, comme de nombreuses tavernes avaient des chambres au-dessus ou derrière mis de côté à des fins sexuelles: "Inn en face; bordel derrière» a été un proverbe néerlandais. Le Steen est au-dessus très clairement un exemplum, et bien que chacun des composants individuels de façon réaliste, il est représenté, la scène globale n'est pas une image plausible d'un réel moment, généralement la peinture de genre, c'est une situation qui est représentée, et la satire.
Gerrit van Honthorst (1625), calembour visuel sur le luth dans cette scène du bordel.
Le tradition de la Renaissance des livres d'emblèmes obscures avait, dans les mains des Néerlandais du 17ème siècle presque universellement alphabétisée en langue vernaculaire, mais surtout sans éducation dans les classiques transformé en populiste et travaille très moralisateur de Jacob Cats, Roemer Visscher, et d'autres, souvent basés dans les proverbes populaires. Les illustrations de ceux-ci sont souvent citées directement dans les peintures, et depuis le début de la 20e historiens d'art siècle ont attaché des proverbes, des dictons et des devises à un grand nombre d'œuvres de genre. Une autre source populaire de sens des jeux de mots visuels à l'aide du grand nombre de Néerlandais des termes d'argot dans le domaine sexuel: le vagin peut être représentée par un luth (luit) ou de repeuplement (Kous), et le sexe d'un oiseau (vogelen), parmi beaucoup d'autres options, et purement visuel symboles comme les chaussures, becs, et des cruches et des flacons de leur côté.
Les peintres même souvent peint des œuvres dans un esprit très différent des femmes au foyer ou d'autres femmes au repos dans la maison ou au travail ils sont plus nombreux que les traitements similaires massivement des hommes, en fait, aux hommes qui travaillent la classe qui vaquent à leurs emplois sont les grands absents de l'âge d'or néerlandais art, avec des paysages peuplés par les voyageurs et les badauds mais rarement travailleurs de la terre. Ce groupe de sujets était une invention néerlandaise, ce qui reflète les préoccupations culturelles de l'âge, et devait être adopté par les artistes d'autres pays, en particulier France, dans les deux siècles suivants.
Adriaen van Ostade, des paysans dans un intérieur (1661)
La tradition est apparue à partir du réalisme et de l'activité de fond détaillée de la peinture primitifs flamands, qui Hieronymus Bosch et Pieter Bruegel l'Ancien ont été parmi les premiers à leur tour dans leurs principaux sujets, en faisant aussi usage de proverbes. Les peintres de Haarlem Willem Pieterszoon Buytewech, Frans Hals et Esaias van de Velde étaient des peintres importants au début de la période. Buytewech peint "entreprises joyeuse" de finement habillé les jeunes, avec une signification moraliste se cache dans les détails. Van de Velde a également été importante en tant que paysagiste, dont les scènes inclus chiffres peu glorieux très différents de ceux de ses tableaux de genre, généralement fixé à des garden-parties dans les maisons de campagne. Hals était principalement un portraitiste, mais aussi peint des figures de genre d'une taille portrait au début de sa carrière. Un séjour à Haarlem par le maître flamand des scènes de cabaret paysan Adriaen Brouwer, à partir de 1625 ou 1626 a donné Adriaen van Ostade son sujet tout au long, mais il a souvent adopté une approche plus sentimentale. Avant de Brouwer, les paysans avaient normalement été représenté à l'extérieur; il avait l'habitude les montre dans un intérieur clair et sombre, mais van Ostade est parfois occupent ostensiblement décrépit fermes de taille énorme.
Gabriel Metsu, cadeau du chasseur, c. 1660, une étude dans les relations conjugales, avec un jeu de mots visuels.
Van Ostade autant de chances de peindre une figure unique en tant que groupe, de même que les caravagesques d'Utrecht dans leurs œuvres de genre, et le seul figure, ou de petits groupes de deux ou trois de plus en plus fréquente, en particulier ceux dont les femmes et les enfants. La femme artiste le plus remarquable de la période, Judith Leyster (16091660), spécialisée dans ceux-ci, avant que son mari, Jan Miense Molenaer, a prévalu sur elle pour donner à la peinture. L'école de Leiden fijnschilder («peintres fine") étaient connus pour de petits tableaux et très fini, beaucoup de ce type. grands artistes inclus Gerard Dou, Gabriel Metsu, Frans van Mieris le Vieux, et plus tard son fils Willem van Mieris, Godfried Schalcken et Adriaen van der Werff.
Cette génération plus tard, dont le travail semble désormais plus raffinés par rapport à leurs prédécesseurs, a également peint des portraits et des histoires, et ont été les plus réputés et récompensés peintres néerlandais à la fin de la période, dont les œuvres ont été recherchées dans toute l'Europe. peintures de genre reflète l'accroissement de la prospérité de la société néerlandaise, et les paramètres ont augmenté régulièrement plus à l'aise, opulent et soigneusement représenté au cours du siècle. Les artistes ne font pas partie du groupe de Leiden qui ont en commun ont également été des sujets plus intimes des groupes genre inclus Nicolaes Maes, Gerard ter Borch et Pieter de Hooch, dont intérêt à la lumière dans les scènes d'intérieur a été partagée avec Jan Vermeer, un chiffre très long obscure, mais maintenant les plus réputés peintre de genre de tous.
Hendrick Avercamp peint presque scènes d'hiver exclusivement des foules.
Pieter de Hooch, cour d'une maison à Delft, 1658, une étude en vertu intérieur, la texture et la complexité spatiale. La femme est un serviteur.
Judith Leyster, un garçon et une fille avec un chat et une anguille; diverses références à des proverbes ou des emblèmes ont été suggérées.
Nicolaes Maes, le serviteur paresseux; troubles femme de chambre ont fait l'objet de plusieurs des œuvres Maes.
Paysages naturels et urbains
Esaias van de Velde, Paysage d'hiver (1623)
La peinture de paysage est un genre majeur dans le 17 siècle. paysages flamands (en particulier en provenance d'Anvers) du 16ème siècle, premier servi comme un exemple. Ceux-ci avaient été pas particulièrement réaliste, avoir été peint surtout dans le studio, en partie de l'imagination, et souvent encore en utilisant le point de vue semi-aérienne au-dessus typique de la peinture de paysage néerlandais tôt dans la tradition de Joachim Patinir, Herri Met de Bles et Pieter Bruegel l'Ancien. Un style plus réaliste du paysage néerlandais développés, vu du niveau du sol, souvent basées sur des dessins réalisés à l'extérieur, avec des horizons plus profonds qui a permis de souligner l'impressionnante souvent formations de nuages qui étaient (et sont) si typique dans le climat de la région, et qui jettent une lumière particulière. sujets préférés étaient les dunes le long de la côte de la mer de l'Ouest, les rivières avec leurs grandes prairies voisines où le bétail broutait, souvent avec la silhouette d'une ville dans le lointain. paysages d'hiver avec les canaux gelés et ruisseaux également abondé. La mer était un sujet favori, ainsi depuis les Pays-Bas en dépendait pour le commerce, lutté avec lui de nouvelles terres, et se bat sur elle avec des nations concurrentes.
chiffres importants au début de la transition vers le réalisme ont été Esaias Van de Velde (15871630) et Hendrick Avercamp (15851634), tous deux également mentionné ci-dessus comme peintres de genre dans le cas de la peinture Avercamp mêmes tableaux méritent une mention dans chaque catégorie. À partir de la fin des années 1620 la phase de «ton» de la peinture de paysage a commencé, en tant qu'artistes ou adouci les contours flous, et concentrée sur un effet de l'atmosphère, avec une large place donnée au ciel, et des figures humaines en général absentes ou petites et éloignées. Compositions à base d'une diagonale à travers l'espace image est devenue populaire, et de l'eau souvent recommandés. Les grands artistes ont été Jan van Goyen (15961656), Salomon van Ruysdael (16021670), Pieter de Molyn (15951661), et dans la peinture marine Simon De Vlieger (16011653), avec une foule de personnages mineurs de la récente étude sur les listes 75 artistes qui ont travaillé de manière van Goyen, au moins pour une période, y compris Cuyp.
Jacob van Ruisdael, le moulin à Wijk (1670)
Aelbert Cuyp, Paysage de rivière avec Riders (c.1655); Cuyp spécialisée dans la lumière du soir d'or dans les milieux néerlandais.
Des années 1650 la phase "classique" a commencé, en conservant la qualité de l'atmosphère, mais avec plus de compositions expressives et plus fort contrastes de lumière et de couleur. Les compositions sont souvent ancrées par un seul "arbre héroïque", moulin à vent ou d'une tour, ou d'un navire dans les travaux maritimes. L'artiste de premier plan a été Jacob van Ruisdael (16281682), qui a produit une grande quantité et la variété du travail, en utilisant tous les sujets typiquement néerlandais, sauf le paysage italien (ci-dessous); au contraire, il produit "nordique" paysages de sombre et dramatique des forêts de pins de montagne avec torrents et cascades. Son élève a été Meindert Hobbema (16381709), mieux connu pour son atypiques Avenue à Middelharnis (1689, Londres), un départ de ses scènes habituelles de moulins à eau et des routes à travers bois. Les deux autres artistes avec plus de styles personnels, dont le meilleur travail comprenait plus de photos (jusqu'à un mètre ou plus de diamètre), ont été Aelbert Cuyp (16201691) et Philips Koninck (16191688). Cuyp a pris lumière dorée italienne et l'a utilisé dans les scènes soirée avec un groupe de personnages au premier plan et derrière eux une rivière large et paysage. qui fonctionne le mieux Koninck sont vues panoramiques, à partir d'une colline, sur de vastes terres agricoles plat, avec un ciel immense.
Un autre type de paysage, de produits à travers le timbre et phases classiques, a été le paysage romantique italienne, généralement dans des milieux plus de montagnes que l'on trouve aux Pays-Bas, d'une lumière dorée, et parfois pittoresques staffage Méditerranée et les ruines. Pas tous les artistes qui se spécialisait dans ceux-ci avaient visité l'Italie. Jan Both D. (1652), qui avait été à Rome et a travaillé avec Claude Lorrain, est un développeur leader de la sous-genre, qui influencé le travail de nombreux peintres de paysages avec des paramètres néerlandais, tels que Aelbert Cuyp. D'autres artistes qui ont toujours travaillé dans le style ont été Nicolaes Berchem (16201683) et Adam Pijnacker. paysages italianisants étaient populaires comme gravures, peintures et plus de Berchem ont été reproduites dans des gravures au cours de la période elle-même que ceux de tout autre artiste.
Un certain nombre d'autres artistes ne rentrent pas dans un de ces groupes, surtout Rembrandt, dont relativement peu de paysages peints montrent des influences diverses, dont certaines d'Hercule Seghers (c.1589 c.1638), son très rare de vastes paysages vallée de montagne ont été un développement très personnelle de styles du 16ème siècle. Aert van der Neer († 1677) peint des scènes très petites rivières de la nuit ou sous la glace et la neige.
Paysages avec des animaux dans l'avant-plan ont été une sous-type, et ont été peintes par Cuyp, Paulus Potter (16251654), Adriaen van de Velde (16361672) et Karel Dujardin (16261678, animaux de ferme), avec des chevaux Philips Wouwermans peinture et les cavaliers dans divers milieux. La vache a été un symbole de prospérité pour les Néerlandais, jusque-là négligée dans l'art, et en dehors du cheval de loin le plus couramment montré des animaux; les chèvres ont été utilisés pour indiquer l'Italie. Potter's le taureau est un énorme portrait et célèbre que Napoléon a pris à Paris (il revint plus tard) même si les analystes ont noté l'élevage à partir de la représentation des différentes parties de l'anatomie qu'il semble être un composite d'études de six animaux différents âges très différents.
Pieter Jansz Saenredam, Assendelft Eglise, 1649, avec la pierre tombale de son père au premier plan.
Architecture aussi fasciné les Néerlandais, les églises en particulier. Au début de la période de la tradition principal était des palais de fantaisie et de vues sur la ville du Nord maniériste inventé l'architecture, la peinture flamande, qui a continué à se développer, et aux Pays-Bas a été représenté par Dirck van Delen. Un plus grand réalisme a commencé à comparaître et à l'extérieur qu'à l'intérieur de bâtiments réels ont été reproduites, mais pas toujours fidèlement. Au cours de la compréhension siècle de la prestation adéquate de la perspective a grandi et ont été accueillies appliquée. Plusieurs artistes spécialisés dans l'intérieur des églises. Pieter Jansz Saenredam, dont le père Jan Saenredam gravé sensuelle déesses maniériste nue, peinte dépeuplé vues d'ores et déjà blanchis à la chaux gothique églises de la ville. Son insistance sur même la lumière et la géométrie, avec la représentation peu de textures de surface, est mis en évidence en comparant ses œuvres avec celles d'Emmanuel de Witte, qui a laissé dans le peuple, sols irréguliers, des contrastes de lumière et de l'encombrement de ces mobilier d'église qui restait dans les églises calvinistes, tous les plus souvent ignorées par Saenredam. Gérard Houckgeest, suivie par van Witte et Hendrick van Vliet, a complété la vision traditionnelle selon un axe principal de l'église avec vue diagonale qui a ajouté drame et l'intérêt. Gerrit Berckheyde spécialisée dans les vues de la faible densité de population rues de la ville principale, carrés, et les principaux bâtiments publics, Jan van der Heyden préféré des scènes plus intimes de la rue d'Amsterdam silencieux, souvent avec des arbres et des canaux. Ces vues ont été réels, mais il n'a pas hésité de les ajuster pour obtenir un effet de composition.
Jacob van Ruisdael, Vue de Haarlem; Ruisdael est une figure centrale, avec des sujets plus variés que de nombreux paysagistes.
Jan Both, paysage italien du type deux a commencé à peindre après son retour de Rome.
Jan van Goyen, aménage Dune; un exemple de la "tonalité" style
Le Grote Markt et Sint-Bavokerk, Haarlem, 1696, par Berckheyde Gerrit.
peinture maritime
Salomon van Ruysdael, typique Vue de Deventer vu du Nord-Ouest (1657); un exemple de la phase «tonale».
La République néerlandaise comptaient sur le commerce par mer pour son exceptionnelle richesse, a connu des guerres navales avec la Grande-Bretagne et d'autres pays au cours de la période, et a été sillonné par les rivières et les canaux. Il n'est donc pas surprenant que le genre de la peinture maritime a été très populaire, et conduit à de nouveaux sommets dans la période d'artistes néerlandais, comme des paysages, le déménagement du point de vue artificielle élevés typiques de la peinture de marine était auparavant une étape cruciale. Photos de batailles navales a raconté l'histoire de la marine néerlandaise au sommet de sa gloire, mais aujourd'hui, il est généralement les scènes plus tranquille qui sont très estimés.
Le plus souvent, même les petits navires voler le drapeau tricolore néerlandais, et de nombreux navires peuvent être identifiés comme la marine ou l'un des nombreux autres navires d'Etat. De nombreuses photos inclus des terres, avec une plage ou point de vue du port, ou une vue sur l'estuaire. D'autres artistes spécialisés dans les scènes de la rivière, de la petites images de Salomon van Ruysdael avec de petits bateaux et les roseaux et les banques à l'italienne de grands paysages Aelbert Cuyp, où le soleil est généralement mise sur une large rivière. Le genre naturellement des parts beaucoup avec la peinture de paysage, et dans le développement de la représentation du ciel les deux vont de pair; de nombreux artistes du paysage peint aussi des scènes de plage et de rivière. Artistes inclus Jan Porcellis, Simon de Vlieger, Abraham Storck. Willem Van de Velde l'Ancien et son fils sont les grands maîtres des décennies plus tard, tend, au début du siècle, pour mettre le navire fait l'objet, alors que dans les œuvres tonales des décennies précédentes l'accent a été mis sur la mer et la météo. Ils sont partis pour Londres en 1672, laissant le maître de la grosse mer, d'origine allemande Ludolf Bakhuizen, comme l'artiste de premier plan.
Natures mortes
Pieter Claesz, Vanitas (1630)
Les natures mortes sont une excellente occasion de montrer son aptitude à la peinture et textures des surfaces de façon très détaillée et réaliste avec des effets de lumière. Alimentaire de tous les sortes posé sur une table de couverts en argent, des motifs complexes et subtiles dans les plis de nappes de table et des fleurs tous les peintres contestée.
Plusieurs types d'objet ont été reconnus: banketje étaient des pièces «banquet», ontbijtjes simples morceaux petit-déjeuner ". Pratiquement toutes les natures mortes ont un message moralisateur, habituellement sur la brièveté de la vie c'est ce qu'on appelle le thème implicite vanitas même en l'absence d'un symbole évident comme un crâne, ou moins évident que l'un de ces demi-citron pelé (comme la vie, douce en apparence, mais amère au goût). tu Fleurs et désintégrations des aliments, et l'argent est d'aucune utilité pour l'âme. Néanmoins, la force de ce message semble moins puissant dans les pièces plus élaborées de la seconde moitié du siècle.
Abraham van BEYEREN (1667); "Ostentatoires" Nature morte avec une souris au-dessus du couteau.
Au début, les objets présentés ont été presque toujours banal, mais à partir du milieu du siècle pronkstilleven («ostentatoires morte"), montrant des objets chers et exotiques, est devenu plus populaire. Le réaliste au début, tonale classique et les phases de la peinture de paysage dans la peinture avait homologues morte. Heda Claeszoon Willem (1595. 1680) et Willem Kalf (16191693) a permis la modification de la pronkstilleven, tandis que Pieter Claesz († 1660) préférait peindre simple "ontbijt" (morceaux petit-déjeuner »), ou explicite vanitas pièces. Dans tous ces peintres, les couleurs sont souvent très en sourdine, avec bruns dominent, en particulier dans le milieu du siècle. Cela est moins vrai des œuvres de Jan de Heem Davidszoon (16061684), un personnage important qui a passé une grande partie de sa carrière en fonction de la frontière à Anvers. Voici son affiche a commencé à l'étalement latéral pour former l'échelle des images oblong, inhabituelles dans le nord, bien que parfois Heda plus grand peint des compositions verticales. peintres nature morte sont particulièrement enclins à former dynasties, il semble: il y avait beaucoup de Heems et Bosschaerts, fils Heda a continué dans le style de son père, Claesz et était le père de Nicholaes Berchem.
tableaux de fleurs forment un sous-groupe avec ses propres spécialistes, et ont parfois été la spécialité des artistes peu de femmes, telles que Maria van Oosterwyck et Rachel Ruysch, le néerlandais a également conduit le monde dans botaniques et d'autres dessins scientifiques, des gravures et illustrations de livres. Malgré le réalisme intense de fleurs individuelles, peintures ont été composés à partir d'études individuels ou même des illustrations de livres, et la prolifération des saisons très différentes ont été systématiquement inclus dans la même composition et les mêmes fleurs réapparaissent dans différents travaux, comme des morceaux de vaisselle faire. Il y avait aussi une irréalité fondamentale que des bouquets de fleurs dans les vases étaient en fait pas du tout répandue dans les maisons au moment même de la très riche affiché fleurs, un par un en faïence tulipe-titulaires.
Gillig Jacob, poissons d'eau douce (1684)
La tradition néerlandaise a été largement entamé par Ambrosius Bosschaert (15731621), un peintre de fleurs d'origine flamande qui s'étaient installés dans le nord par le début de la période, et fonde une dynastie. Son frère-frère Balthasar van der Ast († 1657) pionnier des natures mortes de coquillages, peindre des fleurs, ainsi que. Ces premiers travaux ont été relativement bien éclairée, avec les bouquets de fleurs disposés de manière relativement simple. Du régime au milieu du siècle que l'on appelle à juste titre être Baroque, généralement sur un fond noir, est devenu plus populaire, illustrée par les œuvres de Willem van Aelst (16271683).
Peintres de Leyde, La Haye, Amsterdam et en particulier excellé dans le genre. jeu Dead, et les oiseaux peints vivre, mais a étudié entre les morts, étaient une autre sous-genre, tout comme les poissons morts, un aliment de base du régime alimentaire néerlandais Abraham van Beijeren fait beaucoup de ces. Les Néerlandais étaient moins portés à le style flamand de combiner des éléments de grandes natures mortes avec d'autres types de peinture, ils auraient été considérés comme orgueilleuse dans le portrait et l'habitude flamande de spécialiste peintres collaborer sur les différents éléments dans le même ouvrage. Mais ce qui est arrivé parfois Philips Wouwermans a parfois été utilisé pour ajouter des hommes et des chevaux de transformer un paysage en une chasse ou de combat scène, Berchem ou Adriaen van de Velde pour ajouter des personnes ou des animaux de ferme.
Willem van Aelst, Nature morte avec une montre (c.1665), avec fond noir typique.
Willem Claeszoon Heda, petit déjeuner table avec Blackberry Pie (1631); Heda était célèbre pour sa représentation de surfaces réfléchissantes.
Jan de Heem Davidszoon, Vanitas (1629)
Jan Weenix, Nature morte avec un Peacock Dead (1692), dans les jardins d'une grande maison de campagne.
terres étrangères
Frans Post, la scène en néerlandais Brésil; peinte en 1662, quelques années après la colonie a été perdu.
Beaucoup de Néerlandais (et flamand) peintres travaillé à l'étranger ou exportées de leur travail; gravure est également un important marché d'exportation, par lequel Rembrandt est devenu connu à travers l'Europe. Le don néerlandais de Charles II d'Angleterre a été un cadeau diplomatique qui comprenait quatre tableaux contemporains néerlandais. peinture anglaise a été fortement tributaire de peintres néerlandais, avec Sir Peter Lely suivie par Sir Godfrey Kneller, le développement du style portrait anglais établi par le flamand Anthony van Dyck, avant la guerre civile anglaise. La marine peintres van der Velde, le père et le fils, ont été parmi plusieurs artistes qui ont quitté la Hollande à l'invasion française de 1672, qui a un effondrement du marché de l'art. Ils ont également déménagé à Londres, et les débuts de paysage anglais peinture ont été établis par plusieurs peintres néerlandais moins distingués, tels que Hendrick Danckerts. Le Bamboccianti ont été une colonie d'artistes néerlandais qui a introduit la scène de genre en Italie. Jan Weenix Melchior et d'Hondecoeter spécialisés dans le gibier et les oiseaux, morts ou vivants, et sont en demande de maison de campagne et le tir-dessus-Lodge dans le Nord de l'Europe. Frans Post, un paysagiste, et Albert Eckhout, un peintre de natures mortes qui a également transformé sa main les chiffres indigènes, ont été envoyés à la brève durée de vie du Brésil néerlandais, la plus importante des Indes néerlandaises étaient beaucoup moins bien couverts artistiquement.
Après la réputation
Philips Wouwermans, Voyageurs attente d'un Ferry (1649); un paysage avec le point culminant de la marque Wouverman d'un cheval blanc.
Le énorme succès de la peinture néerlandaise du 17ème siècle maîtrisé le travail des générations subséquentes, et aucun peintre néerlandais de l'centuryor 18 sans doute, un ceux du 19ème siècle bien connu en dehors des Pays-Bas. Déjà à la fin de la période artistes se plaignaient que les acheteurs étaient plus intéressés à mort que les artistes vivants.
Si seulement à cause des énormes quantités produites, d'or néerlandais Âge peinture a toujours constitué une partie importante des collections de peintures de maîtres anciens, elle-même un terme inventé au 18ème siècle pour décrire Âge d'or néerlandais artistes. Prenant Wouwermans que dans les anciens collections royales, il ya plus de 60 à Dresde et à plus de 50 à l'Ermitage. Mais la réputation de la période a montré de nombreux changements et changements d'orientation. Un facteur à peu près constant a été admiration pour Rembrandt, en particulier depuis la période romantique. D'autres artistes ont montré des changements radicaux dans la fortune critique et prix du marché, à la fin de la période de quelques-uns des fijnschilders Leiden active avait la réputation énorme, mais depuis le réaliste milieu du 19e siècle œuvres dans des genres différents ont été beaucoup plus apprécié. Vermeer a été sauvé de l'obscurité quasi-totale au 19ème siècle, par laquelle temps plusieurs de ses œuvres ont été réattribuées à d'autres. Toutefois, le fait qu'un si grand nombre de ses œuvres étaient déjà dans les grandes collections, souvent attribuée à d'autres artistes, démontre que la qualité des tableaux individuels a été reconnu même si son oeuvre collective était inconnu. D'autres artistes ont continué d'être sauvé de la masse des petits peintres connus: la fin et très simple natures mortes d'Adriaen Coorte dans les années 1950, et les paysagistes Jacobus Mancaden et Frans Post au début du siècle.
Gerard ter Borch, admonition paternelle, ou scène du bordel (c. 1654; version d'Amsterdam).
peintures de genre ont longtemps été populaire, mais peu considéré. Sir Joshua Reynolds, le leader anglais de l'art académique du 18ème siècle, a fait plusieurs commentaires révélateurs sur l'art néerlandais. Il a été impressionné par la qualité de Laitière de Vermeer (illustré au début de cet article), et la vivacité des portraits de Hals, regrettant qu'il n'avait pas la patience " pour les terminer correctement, et a déploré que Steen n'était pas né en Italie et formé par la Haute Renaissance, alors que son talent aurait pu faire un meilleur usage. En temps de Reynold le moraliste aspect de la peinture de genre n'était plus comprise, même dans les Pays-Bas, l'exemple célèbre est la soi-disant paternel avertissement, comme on l'appelait alors, par Gerard ter Borch. Cela a été salué par Goethe et d'autres pour la délicatesse de son expression d'un père réprimander sa fille. En fait, pour la plupart (mais pas tous les savants) moderne, il est une scène proposition dans un bordel, il ya deux versions (Berlin et Amsterdam) et il est difficile de savoir si une pièce de monnaie "témoin" dans la main de l'homme a été enlevé ou repeintes en soit.
Dans la seconde moitié du 18ème siècle, le réalisme jusqu'à la terre de la peinture néerlandaise a été un avant-goût "Whig" en Angleterre et en France liés à rationalisme des Lumières et des aspirations de la réforme politique. Au 19e siècle, avec un respect quasi universel pour plus de réalisme, et le déclin final de la hiérarchie des genres, peintres contemporains ont commencé à emprunter auprès de peintres de genre à la fois leur réalisme et leur utilisation des objets de la narration fins, et peindre des sujets similaires eux-mêmes, avec tous les genres les Néerlandais a été le pionnier figurant sur toiles beaucoup plus important (à l'exception des natures mortes).
Dans la peinture de paysage, le artistes italienne ont été les plus influents et les plus respectés dans le 18e siècle, John Constable, mais a été parmi les romantiques qui les dénonçaient d'artificiel, préférant les tons et classique artistes. En fait, les deux groupes est resté influent et populaire au 19ème siècle.
Notes
^ Dans les histoires générales 1702 est parfois considérée comme la fin, si l'âge d'or, une date qui fonctionne raisonnablement bien pour la peinture. Slive, qui évite le terme (voir p. 296), divise son livre en deux parties: 1600 – 1675 (294 pages) et de 1675 à 1800 (32 pages).
^ Fuchs, 104
^ Lloyd, 15, citant Jonathan Israel. Peut-être que de 1% survivent aujourd'hui, et «seulement 10% d'entre eux étaient de qualité réelle".
Jan Steen est un ^ aubergiste, Aelbert Cuyp a été l'une des nombreuses femmes dont les riches à les persuader de renoncer à la peinture, bien que Karel Dujardin semble avoir fui son possible pour continuer son travail. Voir leurs biographies MacLaren. Le poisson artiste Jacob Gillig a aussi travaillé comme gardien dans la prison d'Utrecht, à proximité du marché aux poissons .. Faillis inclus: Rembrandt, Frans Hals, Jan de Bray, et de nombreux autres.
Franits ^, 217 et suiv. sur 1672 et ses effets.
^ Abc Fuchs, 43
Prak ^, 241
^ Lloyd, 97
Franits ^ ' livre est en grande partie organisée par ville et par période; Slive par catégories de sujets
Fuchs ^, 76
^ Voir Slive, 296-7 et ailleurs
Fuchs ^, 107
^ Fuchs, 62 ans, Wilenski RH, peinture néerlandaise, «Prologue», pp. 27-43, 1945, Faber, Londres
Fuchs ^, 62-3
Slive ^, 13-14
Fuchs ^, 62-69
^ Franits, 65. artistes catholiques néerlandais du 17ème siècle inclus Abraham Bloemaert et Gerard van Honthorst d'Utrecht, et Jan Steen, Paulus Bor, Jacob van Velsen, plus Vermeer qui probablement converti à son mariage. Jacob Jordaens a été parmi les artistes flamands protestants.
Slive ^, 22-4
Fuchs ^, 69-77
Fuchs ^, 77-78
^ Voyage en famille arbre. portraits de ses grands parents différents de Rembrandt sont célèbres.
Ekkart ^, 17 n ° 1 (p. 228).
^ Shawe-Taylor, 22-23, 32-33 sur les portraits, citation de 33
Ekkart ^, 118
Ekkart ^, 130 et 114.
^ Ekkart (Marike de Winkel essai), 68-69
^ Ekkart (Marike de Winkel essai), 66-68
^ Ekkart (Marike de Winkel essai), 69-71
^ Ekkart (Marike de Winkel essai), 72-73
^ Une autre version à Apsley House, avec un autre composition, mais en utilisant la plupart des mêmes objets moralisateur, est analysé par Franits, 206-9
Fuchs ^, 42 et Slive, 123
Slive ^, 123
Franits ^, 1, costume de mentionner dans les oeuvres de la Caravagggisti Utrecht, et les paramètres architecturaux, comme particulièrement enclins à abandonner représentation exacte.
^ Franits, 4-6 résume le débat, pour lesquelles Svetlana Alpers »L'art de la description (1983) est une œuvre importante (mais voir le commentaire laconique sur Slive p. 344). Voir aussi Franits, 20-21 sur les peintures étant entendu différemment par des individus contemporains, et son p.24
^ Le critique d'art de Diderot. Friedman.p Mira. 36
^ Fuchs, 39-42, analyse deux scènes comparables par Steen et Dou, et p. 46.
Fuchs ^, p. 54, 44, 45.
Slive ^, 191
^ Longuement exploré par Schama dans son chapitre 6. Voir aussi l'analyse de La Laitière (Vermeer), revendiquée par les historiens d'art différent pour chaque tradition.
Franits ^, 24-27
Franits ^, 34-43. On peut supposer qu'ils soient destinés à impliquer les maisons abandonnées par les nobles catholiques qui avaient fui vers le sud dans les quatre-vingts années de guerre. Son auto-portrait le montre, tout aussi plausible, travaillant dans un tel établissement.
^ Franits, 180-182, mais il semble étrangement écarter la possibilité que le couple est marié. Mariés ou non, le chasseur espère clairement pour un retour de son don de (jeu de mots) les oiseaux, bien que la chaussure ouverte et le fusil sur le sol, faisant dans des directions différentes, suggèrent qu'il peut être déçu. Metsu utilisé contre les chiens à plusieurs reprises, et peut-être inventé le motif, ce qui a été copié par des artistes victoriens. Une statue de Cupidon préside sur la scène.
Fuchs ^, 80
Franits ^, 164-6.
MacLaren ^, 227
Franits ^, 152-6. Schama, 455-460 traite de la préoccupation générale avec des servantes, les femmes les plus dangereux de tous »(p. 455). Voir aussi Franits, 118-119 et 166 sur les fonctionnaires.
^ Slive 189, l'étude est par H.-U. Beck (1991)
^ Slive, 190 (citation), 195-202
^ Dérivés des œuvres par Allart van Everdingen qui, contrairement à Ruysdael, avait visité la Norvège, en 1644. Slive, 203
Slive ab ^, 225
^ Rembrandt possédait sept Seghers; après un récent incendie, seulement 11 sont maintenant pensé pour survivre combien de rester Rembrandt n'est pas clair.
Slive ^, 268-273
^ Slive, 273-6
Slive ^, 213-216
MacLaren ^, 79
Slive ^, 279-281. Fuchs, 109
Fuchs ^, 113-6
^ Et seulement quelques autres, voir Slive, 128, 320-321 et index, et Schama, 414. La femme artiste en circulation de l'âge a été Judith Leyster.
Fuchs ^, 111-112. Slive, 279-281, couvrant aussi proliférations anormales pour la saison et récurrents.
Slive ^, 287-291
Slive ^, 212
^ Voir Reitlinger, 11-15, 23-4, et passim, et des listes pour les artistes individuels
^ Voir Reitlinger, 483-4 et passim
Slive ^, 319
Slive ^, 191-2
Slive ^, 144 (Vermeer), 41-2 (Hals), 173 (Steen)
^ Slive, 158-160 (citation pièce de monnaie), et Fuchs, 147-8, qui utilise le titre bordel Scène. Franits, 146-7, citant Alison Kettering, dit qu'il est "flou délibéré» quant à l'objet, et utilise encore le titre de père avertissement.
Reitlinger ^, I, 11-15. Quote p.13
Références
Pour plus de détails et de nombreux peintres plus voir d'or néerlandais Âge, la liste des peintres populaire et la liste des peintres néerlandais. MacLaren est la principale source pour plus de détails biographiques.
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Franits, Wayne, néerlandais peinture de genre du XVIIe siècle, Yale UP, 2004, ISBN 0300102372
Fuchs, RH, de la peinture néerlandaise, Thames & Hudson, Londres, 1978, ISBN 0500201676
Ingamells, John, The Wallace Collection, Catalogue d'images, Vol IV, néerlandais et flamand, Wallace Collection, 1992, ISBN 0900785373
Lloyd, Christopher, charme les yeux, peintures néerlandaises du Siècle d'or, Publications Collection royale, 2004, ISBN 1902163907
MacLaren, Neil, L'école néerlandaise, 16001800, tome I, 1991, National Gallery Catalogues, National Gallery, Londres, ISBN 0947645-99-3
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Schama, Simon, L'embarras du choix: Une interprétation de la culture néerlandaise dans l'âge d'or, 1987
Shawe-Taylor, Desmond et Scott, Jennifer, De Bruegel à Rubens, maîtres de la peinture flamande, Publications Royal Collection, Londres, 2008, ISBN 9781905686001
Slive, Seymour, peinture néerlandaise, 16001800, Yale UP, 1995, ISBN 0300074514
De plus la lecture
Alpers, Svetlana. L'art de la description: l'art néerlandais dans le dix-septième siècle, Chicago: University of Chicago Press, 1983
Catégories: Histoire des Pays-Bas néerlandais | peintures | Culture néerlandaise âge d'or | Western | art néerlandais Golden Age | peinture baroque | Peintre néerlandais Golden Age About the Author

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